Café de flore est le nouveau film de Jean Marc Vallée, réalisateur québécois, responsable de C.R.A.Z.Y, qu’il faudrait que je vois. Le film raconte deux histoires en parallèle: celle de Jacqueline (Vanessa Paradis), mère d’un enfant trisomique dans le paris de 1969, et celle d’Antoine, Dj beau-gosse à Montreal en 2011. Ces deux histoires sans rapport apparent, se croisent et se répondent pour nous offrir une romance de 2h.

Alors attention, cyniques passez votre route. Café de flore est un trip mystico-romantique sur la puissance de l’amour à travers les âges. Si vous n’adhérez pas au propos, vous risquez de vous ennuyer fortement. Café de flore est un film maniéré, plein de silences, de ralentis, de plans absolument magnifiques, avec un montage vaporeux, et une bande son travaillée qui lui donne une esthétique forte, une ambiance éthérée, un rythme lent mais ultra prenant.

Dans son film, Jean-Marc Vallée célèbre l’amour, celui qui, légendaire, a noyé bien des gens, celui qui consume, celui qui chamboule toute une vie, celui dont on ne se relève pas aussi. Durant les deux heures de son film, le réalisateur nous balade, d’une époque à l’autre, dans des transitions floues, remplissant son déroulement d’images furtives, incompréhensibles dans un premier temps. Ensuite tout s’imbrique, tout prend forme, tout se dénoue, l’histoire est simple, mais son traitement est extraordinaire. Il faut être rêveur pour accepter ce que Café de flore nous offre, mais si on entre dans le film, c’est le souffle coupé que l’on en ressort, la tête remplie de belles images et d’une musique qui peine à s’en aller.

Un mot sur les acteurs. Vanessa Paradis est, comme toujours, incroyable, dans le rôle de cette mère déterminée à élever son fils trisomique de la manière la plus normale qui soit. Les deux enfants trisomiques sont très bons eux-aussi, et il faut souligner ce tour de force car il doit être difficile de diriger des enfants trisomiques dans des scènes aussi fortes, demandant un contact aussi important entre eux et avec les adultes qui les entourent. Enfin, le casting québécois, Kévin Parent, Hélène Florent et Evelyne Brochu en tête, donnent toute sa force au récit et rappellent que l’accent Québécois est un accent chantant et plein de poésie.

Bref vous aurez donc compris que j’ai adoré ce film et que je n’ai pas vu passer les deux heures. Café de flore est un film que je rangerais (quand j’aurais le blu-ray) à côté de Mr Nobody tant les thèmes abordés sont proches, tant son traitement est voisin. Encore une fois, le film ne plaira pas à tout le monde, et il n’y a qu’à voir comment la critique l’a fusillé pour s’en convaincre.

Décidément la Wii est une terre d’accueil pour les Ovnis. Fragile dreams est un Survival RPG développé par Tri-Cresendo (Baten Kaitos et Eternal sonata) pour Namco. Il est édité par Rising star games (Muramasa et j’en passe).

Alors de quoi s’agit il vraiment? Parce que Survival RPG ça ne veut rien dire? 

Fragile dreams vous propose d’incarner Seto (Seth à l’origine mais la trad est passée par là), le jour où il se retrouve seul dans l’observatoire du professeur qui l’a élévé jusqu’à présent. Seto est un petit garçon qui n’a connu personne d’autre que ce professeur, et il décide de partir explorer le monde. Un monde étrangement vide… Sur le chemin, il croise une jeune fille aux cheveux blancs. A sa vue, elle le fuit, il décide de la retrouver. Commence alors un voyage solitaire, plein de fantômes et de trucs bizarres.

Tu m'étonnes qu'il veuille la retrouver... Petit pervers!

Fragile dreams se présente comme un silent hill. Le personnage est vu de dos, il avance dans des environnements lugubres en les éclairant à la lampe, et doit repousser des fantômes avec les armes qu’il trouve. Gestion de l’inventaire rikiki, ambiance lourde, bruits bizarres, tout y est pour nous proposer un Survival horror à l’ancienne. Le personnage prend des niveaux à mesure qu’il bat des fantômes. Les dégats s’affichent à chaque coup et on peut upgrader sa valise. Voilà pour l’aspect RPG.

Tout au long du jeu, Seto va trouver des objets qui seront l’occasion d’entendre une petite histoire en forme de souvenir attaché à l’objet et son ancien propriétaire. Il y a un bon paquet d’objets et donc un bon paquet d’histoires, pas toutes très intéressante, mais les développeurs ont pris soin de développer l’univers, ça c’est cool. Malgré ces souvenirs et ces témoignages, on ne sait pas trop ce qui s’est passé sur terre pour que tout soit dévasté de la sorte. Cela participe au mystère, à l’ambiance.

Les premiers ennemis ne font pas très peur...

Autre aspect du jeu, Seto doit trouver à manger, se réfugier régulièrement près de feux pour sauvegarder, gérer son inventaire et reprendre de la vie. Ces oasis de tranquillité seront l’occasion de croiser un marchant bien étrange…

Plus haut, je parlais de voyage solitaire mais j’ai menti (honte à moi): Seto croise quelques personnages qui l’aideront ou lui mettront des batons dans les roues. Ce sera l’occasion pour le joueur de résoudre quelques énigmes et de se rendre fou avec quelques challenges relous… Ces personnages sont souvent étranges, parfois même inattendus (la nature du premier compagnon de Seto est plutôt inhabituelle)

L’ambiance générale est plutôt triste, le héros est seul et mélancolique, le monde est en ruine, les gens sont morts, il croise des fantômes… Ne vous laissez pas avoir par les graphismes mignons, les thèmes abordés dans le jeu sont bien plus matures que ce qu’on pourrait croire.

Le jeu est vraiment très beau.

Sinon ça vaut quoi ce truc? C’est cool ou bien?

Le jeu est légèrement plombé par une jouabilité ultra délicate: Le joueur contrôle Seto à l’aide du combo wiimote/nunchuk. Le nunchuk permet de mouvoir le personnage (avancer, reculer, pas de côté) et le faire s’accroupir, tandis que la wiimote, gère les coups, la lampe et l’inventaire. Ce qui pose problème c’est justement la lampe, puisque l’orientation de cette dernière décide de la direction du personnage, comme dans un fps. Avec un peu de doigté, on arrive à diriger le personnage sans problème, mais les demi-tours et autres gestes un peu rapides sont une calamité. Heureusement le rythme de jeu est plutôt tranquille et le joueur arrive à suivre l’action, même en plein combat, mais quel dommage d’avoir une jouabilité aussi moyenne.

Autre défaut, moins grave mais présent tout au long du jeu: Le rythme. Fragile dreams est un jeu lent et un peu répétitif. Il n’est pas rare de traverser de longs couloirs obscurs avec, de temps en temps un groupe d’ennemis à vaincre. Seto est assez lent, et il frappe aussi vite qu’un personnage de Phantasy star online. Les ennemis sont peu reactifs et il faut attendre la seconde moitié du jeu pour croiser quelques monstres un peu glauque et vraiment dangereux. La relative facilité du jeu fait qu’il devient quelque peu monotone. En plus la musique de combat est toujours la même.

Non ne partez pas, ce n’est pas fini!

Malgré tout, le joueur reste. Il faut dire que Fragile dreams est un jeu atypique. Objectivement, je ne peux pas dire que ce soit un bon jeu. C’est un jeu moyen par bien des aspects. Malgré cela, il dégage un je ne sais quoi qui pousse à mener l’aventure jusqu’à sa conclusion. Fragile dreams est un jeu plein de charmes, avec pas mal de qualités, une histoire que l’on suit avec intérêt, des graphismes vraiment agréables (chara-design identique à celui d’eternal sonata), quelques cinématiques en ombres chinoises vraiment belles et pas mal de petits détails qui font plaisir (introduction en dessin animé, l’ambiance, le soin apporté aux doublages, japonais ou anglais). Les développeurs se sont servi du micro de la wiimote pour quelques énigmes et pour les cris des monstres, ce qui renforce l’immersion.

Conclusion

Les joueurs les plus tatillons passeront surement leur chemin, mais les amoureux de japanime et de jeux un peu différents pourront offrir la dizaine d’heure qu’il faut pour voir la conclusion de Fragile dreams, d’autant qu’il se trouve à un prix ridicule (10 euros neuf).

C’est avec une impatience non dissimulée que nous retrouvons nos camarades de Stuck in the sound. Après plusieurs mois de teasing à coup de morceaux gratuits (bandruptcy) et de clips franchement bien foutus (Brother et Pursuit), l’album est disponible et nous permet de découvrir 14 titres plus ou moins accrocheurs mais toujours agréables à écouter.

Après une première écoute, quatre titres sortent clairement du lot : « Brother » pour son ambiance electro/disco qui tranche avec le reste de la production du groupe, « Let’s go » qui est peut être un des meilleurs morceaux du groupe, « Bandruptcy » qui est complètement délirant et « Pursuit » pour sa vitalité. Le reste de l’album est tout autant mémorable mais pas aussi immédiat. Comme d’habitude, Stuck nous livre un album énergique, rempli de riffs et de rythmes ultra variés. José propose toujours un chant haut placé et se permet même d’effleurer l’improbable avec «Criminal ».

Pursuit est un album rock solide, bien foutu et agréable à écouter en boucle. Il est bien plus accessible que son prédécesseur, propose quelques morceaux aux sonorités nouvelles, mais reste quand même dans la tradition du groupe. Mon coup de cœur de ce début d’année !

Quelques chiffres

- au 20 décembre 2011, 63 000 000 de livres ont été vendus (source : http://www.stieglarsson.se/)
– box office français pour le film de Niels Arden Oplev – 1 145 271 entrées / box office américain – $7,382,561 de recettes (source : http://www.allocine.fr/film/fichefilm-140296/box-office/)
– box office américain pour le film de David Fincher (sorti le 21 décembre 2011) – $76,836,000 de recettes (source : http://www.allocine.fr/film/fichefilm-178974/box-office/ )

Les réalisateurs

Niels Arden Oplev est un réalisateur et scénariste danois et il faut bien le dire, un illustre inconnu pour la plupart d’entre nous. Avant Millenium, il a réalisé en 2006 We shall overcome et une série (L’aigle). Dans la foulée de Millenium, le film, il a aussi réalisé l’unique saison de Millenium (oui on exploite le filon jusqu’au bout). On peut imaginer que ce film va lui ouvrir plus de portes vers le cinéma européen, et pourquoi pas américain. Si la réalisation de Millenium était soignée mais sans effet visuel à outrance, on peut penser qu’il n’a pas marqué tous les esprits. Bref, et c’est mon regret, je n’ai pas grand-chose à ajouter de plus sur ce brave homme…

David Fincher était, jusqu’à maintenant, plus ou moins considéré comme l’enfant terrible d’Hollywood avec des projets difficiles à monter et des producteurs qui hésitaient à lui faire confiance. Mais tout va peut-être changer grâce à Millenium…
Contrairement à son homologue danois, on peut affirmer que David Fincher est un bon réalisateur, et même un réalisateur génial. Pour avoir vu 90% de ses films (The social network manque à ma filmographie), j’aime son travail, brut, sans concession. J’adore Alien 3, Fight Club qui a été un grand choc, The game ou Seven et les autres… Je lui fais confiance. J’ai lu sa récente interview dans le Première du mois de décembre, elle m’intrigue mais paradoxalement ne me donne pas envie de voir le film. Son interpretation de l’enquête de deux personnages de Millenium (le livre) me laisse à penser qu’il n’a pas saisi les choses comme moi… “[...] il y a déjà beaucoup de moments dans le livre où Lisbeth trouve quelque chose sur Google et où on se dit : “Tiens, c’était étonnamment facile.”
Personnellement, je n’ai trouvé à aucun moment dans le livre où les réponses tombaient si facilement toutes cuites. Il y a de nombreuses autres intrigues secondaires, qui, je suis certaine, seront zappées dans cette version américaine au profit d’une action à outrance…

Les acteurs

Noomi Rapace vs Rooney Mara

Bon ok ce n’est peut-être pas très fair-play comme technique mais j’assume…
Quand j’ai visionné pour la première fois Millenium de Niels Arden Oplev, j’ai pensé : c’est elle. Mon imagination n’avait pas fait mieux. Quasiment aussi inconnue que le réalisateur, Noomi Rapace est suédoise. Elle a joué dans une dizaine de films dans son pays et grâce à la trilogie, fait partie de deux productions américaines attendues : Sherlock Holmes 2 : Jeu d’ombres de Guy Ritchie et Prometheus de Ridley Scott. Et c’est tant mieux car j’ai vraiment eu un coup de cœur pour cette actrice. Son visage aux traits fins, reconnaissable, et pour moi, Noomi Rapace EST Lisbeth Salander. Elle peut jouer beaucoup d’autres rôles mais personne d’autre ne peut jouer Lisbeth…

Suite à ça, il est un poil difficile de présenter Rooney Mara… On l’a vu récemment dans la nouvelle version (tiens, encore une) de Freddy les griffes de la nuit, elle n’y était pas mauvaise mais on ne peut pas dire que le rôle était formidable. Depuis, elle a joué le rôle d’Erica dans The social network. Sur les photos que j’ai vu de The girl with the dragon tatoo, elle est plutôt bien transformée mais je ne ressens pas la même alchimie que lorsque je regarde Noomi Rapace. Chez une, cela me semble naturel, chez l’autre, trop artificiel, le trait trop forcé.

Michael Nyqvist vs Daniel Graig

Michael Nyqvist est aussi suédois et bénéficie aussi de l’effet Millenium car on a pu le voir depuis dans Identité secrète de John Singleton (Shaft) et dans le tout dernier Mission Impossible – Protocole Fantôme aux côtés de Tom Cruise. Je trouve cet acteur parfait pour le rôle de Blomkvist, il a le style du journaliste économique, il a aussi le style de celui qui se lance dans une enquête plus morbide que ce à quoi il s’attendait. Il n’a pas l’allure d’un super flic ou d’un agent secret.

Il est évident que pour des producteurs, le nom de Daniel Graig sur l’affiche attirera (sans aucun doute) les aficionados des films d’action à la James Bond et financièrement parlant, c’est tout ce qui les intéresse. Pour l’instant, j’ai du mal à me représenter Daniel Graig dans ce rôle de journaliste rebelle, très malin et chasseur des requins de la finance. Il a trop le physique d’un boxeur, d’un agent en mission sous couverture, il est trop James Bond et pas assez Daniel Graig peut-être… j’aurais plus vu un acteur avec un physique moins marqué, un peu plus banal, moins sex symbol.
Mais après tout je pourrais être surprise. Mieux, j’aimerais l’être.

Les affiches

La suédoise est plus discrète et met en avant Lisbeth, avec une charte graphique qui rappelle les bouquins. L’américaine est belle mais elle met en avant le personnage masculin. Or, ce premier volet est une sorte de préquel à l’histoire de Lisbeth Salander, à moins que…
Les seconds affiches américaines montrent Lisbeth, nue, dans les bras de Blomkvist, dans une attitude protectrice. Je rappelle le sous-titre : les hommes qui n’aimaient pas les femmes. Et pour tous ceux qui ont lu le bouquin, ils pourront témoigner que c’est bel et bien le sujet du film : les violences faites aux femmes. Il me semble que le livre a été construit de manière à dénoncer ces abus. Mettre une femme nue, de face, sur l’affiche est pour moi un contre-sens. Lisbeth est ici affichée comme un simple outil promotionnel, destiné à la vente de tickets, visant principalement les hommes. Je n’aime pas.

Lien vers les affiches que je cautionne pas et que donc je ne présente pas. Elle donne une image bien trop faussée de Lisbeth Salander. (http://www.allocine.fr/film/fichefilm-178974/photos/detail/?cmediafile=19863928 - http://www.allocine.fr/film/fichefilm-178974/photos/detail/?cmediafile=19863929)

Pourquoi un remake ? 

C’est une question qu’on peut légitiment se poser, pourquoi faire une nouvelle adaptation du bouquin ou un remake du film (personnellement, je penche plutôt pour la seconde option) alors que Millenium est sorti en 2009 ? Deux ans, on ne peut pas dire que le film soit obsolète. Mais c’est une spécialité chez les américains qui ont même prévus un remake de Bienvenue chez les Ch’tis (sic) entre autres.
Les producteurs font preuve d’un cruel manque d’originalité. Je préfère l’adaptation comme une représentation du livre tout en la considérant comme une nouvelle œuvre. Et cela a été déjà fait. Si c’est pour remanier totalement la trame de fond au point d’en faire une autre œuvre cela veut dire deux choses : ou l’œuvre première était insuffisante ; ou le réalisateur se considère meilleur artiste et par sa nouvelle version veut supplanter l’originale.
Je me demande si cette nouvelle adaptation résulte vraiment d’une envie cinématographique et artistique. Elle me semble plus être l’exploitation du filon jusqu’à l’écœurement ou une volonté de tout américaniser, ils ont besoin d’avoir tout vu, tout créé.
J’avoue que cette sortie est aussi un peu le prétexte pour donner mon avis sur la façon de faire de studios hollywoodiens car ce n’est pas la première fois que cela arrive et c’est quelque chose qui me dégoûte à chaque fois. Je ne suis pas contre l’adaptation. Je suis contre la reprise de projets alors qu’il y a tant de scénarios originaux qui ne trouvent pas de financement, il y a tant de fraîcheur à découvrir (c’était la phrase de l’article ! ^^).

Je terminerais par une question ouverte : Allez-vous voir Millenium de David Fincher ?
Comme vous avez pu le deviner à la lecture de l’article, cette nouvelle version ne m’attire pas des masses pour des raisons plus ou moins objectives, je le reconnais. Malgré les très belles photos publiées dans le numéro 418/419 de Première, malgré le fait que David Fincher soit à la réalisation, je ne pense pas que j’irais le voir. J’attendrais plutôt une sortie en dvd pour me faire une idée de ce film.

Au bout d’un an, d’interrogations sans fin et d’enquête inaboutie, Paul, pour sa survie, plaque sa vie parisienne et s’installe avec ses enfants dans sa ville natale, Saint-Malo.

Cette seconde réalisation de Jalil Lespert raconte une histoire qui peut arriver à tous, avec intelligence sans jamais tomber dans le mélo larmoyant. Le sujet, hautement dramatique, est bien traité avec pour toile de fond la Manche et ses superbes reflets. Benoît Magimel y est magistral, méconnaissable : blafard, bedaine tombante, valises sous ses yeux bleus. Il incarne avec délicatesse ce père de famille rongé et détruit, qui sombre peu à peu dans le néant. Magimel a la carrure pour ce rôle et nous le prouve. Jalil Lespert offre également à Antoine Duléry le rôle du grand frère, partagée entre sa rancœur et son amour pour Paul. Ce duo fraternel est à mon sens, la plus belle chose du film. Avec, bien évidemment, l’amour de Paul pour ses enfants dont il a du mal à s’occuper et qui sont pourtant sa seule bouée…

                                            

p.s : et puis mon dieu, qu’est-ce que je déteste les scènes où Audrey Tautou parle… heureusement qu’on ne la voit pas beaucoup. Je trouve qu’elle joue tout pareil et c’est de plus en plus insupportable !

Oyé oyé! Cette année est à noter d’une pierre blanche: le champion est de retour! Oubliez l’infamie du précédent opus, oubliez les challengers qui tentent vainement de tutoyer les cieux, Kof XIII est le jeu qui met tout le monde d’accord.

Conscient que le 12eme épisode de la série était une horreur, Snk Playmore a tout fait pour remettre les pendules à l’heure. En s’appuyant sur les qualités du précédent épisode (la richesse des décors et… c’est tout), les développeurs nous ont pondu un jeu solide. Terminé les personnages pixelisés et les combats sans rythme. Désormais le jeu affiche des graphismes d’une qualité proche de celle de Blazblue, et les combats sont agressifs, nerveux et plutôt accessibles.

Un casting complet mais sans prise de risque.

Kof XIII affiche une trentaine de personnages jouables. Les grands noms répondent tous présents, et si la sélection est plutôt classique, elle n’en demeure pas moins solide. Quelques regrets: la présence d’un clone de Joe, totalement inutile, l’absence de la version classique de Iori (on y reviendra) et le manque de nouveaux personnages. La liste des coups est elle aussi fournie, tous les personnages ont du répondant, et on peut compter sur une, deux voir trois furies par personnages, plus la grosse attaque de violent, complet on vous dit!

Les mécanismes sur lesquels repose le jeu sont à la fois riches et accessibles: une barre de furie qui se remplit quand on attaque ou quand on se fait attaquer; une barre spéciale qui se remplit de la même manière. La barre de furie permet de déclencher les furies (ok jusque là c’est facile) mais aussi les coups EX, un emprunt fait à son concurrent Street Fighter III. Les coups EX sont des coups spéciaux ou des furies classiques, mais boostées, ou avec des propriétés différentes. La barre spéciale quand à elle, permet d’effectuer tout ce qui est cancel (arrêter un coup pour en lancer un autre), esquive spéciale, mode de combat spécial (perso plus rapide, timing différent) et furie Max.

Dans cet épisode, Iori est franchement nase

N’étant pas un spécialiste, je ne vais pas m’étaler sur la richesse du système de jeu. Je me contenterais de vous dire qu’il y a fort à faire, sans pour autant atteindre la complexité d’un Guilty gear. KOF XIII est un jeu exigeant mais accessible. Il base tout sur l’attaque et les enchaînements possibles sont monstrueux. Un mode mission est d’ailleurs présent pour permettre à tout le monde d’apprendre à les exécuter. Le timing serré de KOF fait que ces enchaînements resteront hors de porté pour bien des joueurs (à commencer par moi), mais décortiquer ces enchaînements est le meilleur moyen pour apprendre des sections et ainsi comprendre comment placer certains coups, comment jouer certains personnages. Sans tout ça, vous pouvez vous contenter de jouer à un jeu très nerveux, bien plus fun à jouer qu’un street fighter IV.

Le mode permettant de modifier les couleurs des perso est bien foutu

SNK Playmore a compris qu’aujourd’hui il était impossible de proposer un jeu de combat affichant simplement un mode arcade, un mode versus, un mode entrainement et un mode online. L’heure est à la richesse et du coup, KOF XIII nous propose tout un tas d’options de jeu: outre ces modes incontournables, nous avons droit à un mode histoire développé, un mode mission très long, une galerie d’images et de sons, un mode survie et un mode time trial. Du coup, il y a fort à faire et si au final, on se retrouve toujours à mettre des tatanes dans la tronche de ses adversaires, c’est quand même agréable d’avoir de multiples déclinaisons. Par exemple, le mode arcade propose durant les combats, des “target actions”, des mini-objectifs à atteindre (mettre tant de coups, faire telle action…) ces objectifs permettent d’engranger des points, ce qui détermine l’orientation du tournoi vers tel ou tel boss de fin. C’est aussi dans ce mode que l’on débloque les deux personnages cachés (Billy Kane et Le boss de fin, clone de Ash). Pour l’instant seul le mode online ne m’a pas convaincu: déjà parce que je n’aime pas jouer contre des mecs abusés qui passent leur temps sur le jeu, ensuite parce qu’il est très difficile de trouver un joueur avec un signal réseau acceptable. Une mise à jour de ce mode est censée arriver sous peu, donc wait and see.

Les décors sont superbes

Conclusion: Kof XIII est bien le messie de la baston que tout le monde attendait. Beau, vif, complet il ne présente que peu de défauts. On regrettera le classicisme du casting et son manque de prise de risque. On regrettera surtout l’absence de la pléthore de personnages cachés du KOF XI au profit de DLC honteux. Le gros point noir de ce casting reste Iori, personnage emblématique de la série, ici complètement bridé, pour ma part injouable. Imaginez un Street Fighter ou capcom propose Ryu, mais sans boule de feu, sans dragon punch, ni hurricane kick, un Ryu karatéka…  Le pire du pire étant de constater que sa version originale de Iori est disponible pour 4 euros en téléchargement… Je profite donc de cette conclusion pour pousser un petit coup de gueule: proposer des DLC est une chose, ok, on propose un chapitre supplémentaire à un jeu, des costumes dispensables pour des personnages etc. Mais ici on parle d’un jeu de combat, un jeu construit sur un équilibre entre les personnages proposés. Le casting doit être complet et proposer un ou deux ou 10 personnages en téléchargement payant, c’est prendre les joueurs en otage, c’est malhonnête et c’est aussi un déséquilibre pour le jeu. Ceux qui ne prendront pas les dlc comme moi, seront pénalisés parce qu’ils ne connaîtront pas le personnage en face. Un personnage supplémentaire dans un jeu de combat, ne doit pas couter 4 euros… Petit calcul: Kof XIII compte environ 34 personnages, que l’on divise par 65 Euros (car le jeu est vendu 65 euros), cela porte le personnage à 50 centimes. Pourquoi irais-je payer un personnage supplémentaire 8 fois le prix des autres personnages? Malheureusement, tant qu’il y aura des gens pour acheter sans broncher, les éditeurs continueront à en profiter. Pour ma part, si je veux jouer avec Iori, je rebranche ma play2…

Dans cet épisode, Yuri est taillée pour faire fantasmer les mauvais otakus...

En définitive, le seul gros défaut de KOF XIII reste son casting. Un casting solide, mais qui manque de nouvelles têtes, de perso cachés et de certains grands noms (Vanessa!!! où es-tu?), mais que cela ne vous empêche pas de vous jeter dessus!

Craig Thompson revient avec un pavé. Pour ceux qui ne connaîtraient pas le bonhomme, Craig Thompson est un auteur de bd, il est Américain et il est responsable notamment des chefs-d’oeuvre que sont “Adieu Chunky Rice” et “Blankets”. Au-delà de son talent narratif, Craig Thompson est un véritable tueur graphique, travaillant ses planches en noir et blanc et allant au-delà du concept de la case pour livrer des compositions exceptionnelles.

Bref autant dire qu’un nouveau Thompson en magasin, on ne cherche pas à savoir si c’est bien ou si ça fouette, on se jette dessus.

Habibi nous narre la rencontre entre deux êtres abandonnés de tous, Dodola et Zam, deux esclaves qui prennent la fuite ensemble dans le desert. Ils trouvent refuge dans un bateau échoué au milieu du désert. Dodola, la jeune fille, arabe, va élever Zam, le garçon, noir, du mieux qu’elle peut, sur ce bateau, en lui racontant des histoires mythologiques. C’est ainsi que Craig Thompson nous raconte un pays mystérieux, intemporel, il nous raconte, comme dans Blankets, la religion, mais cette fois-ci il nous explique le Coran, et nous donne une leçon sur ce qu’est l’Islam.

En s’appuyant sur les clichés qui tournent autour de cette religion, Craig Thompson fait voler en éclat les préjugés. Je trouve cette démarche audacieuse, à une époque où un Frank Miller se permet de nous chier un “Holy Terror” aussi puant que ne le laisse paraître son titre. Démarche louable donc, mais qui ne s’arrête pas là.

Craig Thompson ne se contente pas de nous dire que tout est beau dans le pays des milles et une nuits, comme avec la religion Catholique, il crie son amour, mais critique aussi les travers d’une religion dont les multiples interprétations peuvent laisser perplexe. Le malaise de ses personnages principaux en est une preuve: Zam ne sait pas quel chemin emprunter afin de rester pur, et Dodola, dans sa condition de femme est autant une prêtresse qu’une esclave des traditions.

Bien, j’espère vous avoir convaincu du bien fondé du fond de cet ouvrage, passons à la forme.

Encore une fois, Craig Thompson s’est lâché sur la partie graphique. Au-delà de son trait toujours aussi irréprochable, ce qui frappe le plus, c’est le soin apporté aux mosaïques et autres frises. Habibi est en effet régulièrement ponctué de pages magnifiques, très travaillées et d’une grande complexité.

Je ne saurais que trop vous conseiller la lecture de ce pavé de choix, certes plus difficile et plus sombre que les précédents bouquins de Thompson mais qui n’oublie jamais la poésie, même au milieu de l’horreur.

Quand un Zelda se présente sur une console Nintendo, on sait que l’on a franchi une étape dans la vie de la machine. Skyward Sword n’échappe pas à la règle. Mais s’il n’impose pas un nouveau standard ludique comme ce fut le cas avec le premier zelda sur nes ou Ocarina of time  sur N64, s’il ne représente pas un aboutissement technique comme Zelda A link to the past sur Snes ou WindWaker sur Gamecube, ce zelda se veut la quintessence du motion gaming.

Skyward Sword, est en quelque sorte un Zelda Zero. Il semble poser les bases de la série, de la légende. Le pitch est assez simple: Link, un apprenti soldat, vit dans la petite ville de Celesbourg et  il kiffe grave la jolie prêtresse Zelda, qui est aussi la fille du maire de la ville. La particularité du jeu provient de son univers, puisque Celesbourg fait partie d’un archipel d’îlots flottant dans le ciel, comme par magie (wah! des iles qui flottent dans le ciel, du jamais vu). Notre héros, comme bon nombre de ses concitoyens, est capable de chevaucher un oiseau, ce qui est bien pratique pour se déplacer d’îlot en îlot. Bon ne faisons pas de mystères, à un moment il se passe un truc et la jolie Zelda disparaît. Link, en valeureux héros, se lance à sa poursuite.  La suite vous la connaissez: aventure, bravoure, réflexion etc.

Ce zelda perd en liberté d’exploration, ce qu’il gagne en profondeur de jeu. En effet la zone de “balade” dans le ciel est plutôt limitée et il n’existe que 3 zones de jeu, dans lesquelles sont disséminées les donjons et les quelques zones de quête. 3 zones, c’est peu, mais rassurez-vous elles sont vastes et riches en énigmes, énigmes qui autrefois étaient l’apanage des donjons. Une des principales innovations du jeu réside dans sa structure: dorénavant, avant d’accéder à un donjon, il faut compter sur plusieurs heures de cheminement. On reste dans un zelda, mais il est clair que la série fait un pas en avant.

Les combats ont eux aussi, subi de profonds changements. Grace au wii motion plus, la reconnaissance de mouvement est bien plus élaborée qu’auparavant, et le maniement de l’épée devient plus complexe: coups horizontaux, coups verticaux, estocs, fauchages en diagonale… Les ennemis sont réactifs et il faut percer leurs défenses. Les objets bénéficient aussi de ce petit bonus d’utilisation et leur maniement est souvent ingénieux, ce qui participe au plaisir de jeu. Dernier changement: Link est désormais plus véloce, il peut sprinter sans l’aide de bottes spéciales, il possède une jauge d’endurance et peut sélectionner des objets à la volée grâce à une roue de sélection plutôt simple d’accès.

Hélas, mille fois hélas, ce zelda voit aussi arriver un élément qui n’existait pas au temps jadis: le défaut de maniabilité. Autrefois, on prenait un zelda en main et tout roulait. Celui-ci est plus complexe et le motion gaming aussi précis soit-il, demande une rigeur dans sa pratique qui rend l’expérience de jeu plus hasardeuse. Parfois il faut frapper vite et il est fréquent qu’un coup d’épée ne parte pas dans la direction souhaitée, ce qui peut poser problème face à un boss un peu retord ou un ennemi avec du répondant. Les déplacements à dos d’oiseau se font au pointeur de la wiimote et pour le coup, je m’en serais bien passer. Monter, tourner, ok. Descendre c’est chiant, viser un ennemi c’est casse-pied. Lancer une bombe? Pas de soucis, mais pour la faire rouler au sol, il faut bien imprimer le mouvement, c’est parfois chiant.

Soyons clair, le jeu n’a pas une mauvaise maniabilité, seulement, c’est un zelda, un jeu ou tout doit être parfait. La maniabilité ne doit même pas être évoquée.

Techniquement, ce zelda fait le grand écart, et s’il ne faut pas oublier qu’on se trouve sur une wii, on se dit qu’en Hd, il aurait eu vraiment de la gueule. Esthétiquement, le jeu est superbe, un croisement réussi entre les zelda adultes et les zelda enfants. Un zelda qui possède la patte cartoon de Windwaker et la classe de Twilight princess. L’univers est coloré, les personnages sont énormes, (mention spéciale pour le mec qui coupe du bambou) mais voilà, le décor de fond est brouillon et cela nuit à la beauté des graphismes. En gros, je vous prédis le futur: ce zelda, comme twilight princess et en son temps ocarina of time va se manger un méchant coup de pelle dans la gueule, alors qu’un jeu comme Wind waker, avec ses défauts de rythme et son manque de donjons, se porte comme une fleur esthétiquement, même 10 ans après. WindWaker! Le zelda le plus polémique graphiquement. Le monde est parfois bien fait.

En terme de durée de vie, ce zelda annonce une cinquantaine d’heures de jeu. Le contenu est riche: upgrade d’objets, pas mal de donjons, des environnements vastes, quelques mini-quêtes pour le fun et deux trois mini-jeux rigolos. Dans les faits, sans me presser, en baladant, j’ai torché le jeu en une quarantaine d’heures. J’ai terminé le Boss Rush, il me manque trois quarts de coeur, et je n’ai pas upgradé à fond 2 objets. La durée de vie est honorable, même s’il est vrai que j’ai passé plus de 75 heures sur Twilight princess, sans tout faire à fond (quête de fantômes, beurk!).

Conclusion: Ce zelda est un très bon jeu. Un zelda correct, qui réserve des moments vraiment exquis, avec des mécanismes biens huilés et un rythme génial. Les donjons sont des modèles de game design, les musiques symphoniques sont extraordinaires, et esthétiquement, il envoie du pâté. Mais, ce zelda est aussi l’épisode du “Mais”, il montre d’une fort belle manière les limites du motion gaming: aussi fun que soit le fait de se battre à l’épée, à la longue c’est chiant. Viser, ça passe, jouer de la harpe est un calvaire comme rarement j’en ai vécu. Piloter l’oiseau et nager sont deux des expériences les plus insignifiantes du jeu, bref, pour un film en 3d, on se dit: “c’est cool, mais j’aurais aimé le voir en 2d”, pour ce zelda on se dit: “c’est cool mais j’aurais aimé tout faire à la manette.” Graphiquement il montre les limites de la wii, alors qu’un zelda est sensé être un modèle de dépassement. Les environnements sont vastes, mais j’aurais aimé plus de variété. Le jeu est long mais j’aurais aimé plus de trucs à faire. Enfin, le boss de fin est classe, mais classe comme jamais un boss de fin dans zelda aura été classe. Mais j’aurais aimé plus de challenge, une forme ultime vraiment épique. La fin tombe un peu comme un soufflet raté. Pour moi, ce zelda est l’épisode de la transition, celui qui fait la bascule avec l’avenir. Il est bourré d’idées géniales, il pose des principes à creuser, mais il est desservi par une machine en bout de course. Il est trop ambitieux par rapport à la technique qu’il emploie. Un indispensable malgré tout, un des meilleurs jeux de cette année.

Non mais Wind Waker quoi!!!

Un récit détaillé, fourni, argumenté, le suspense y est permanent, on est happé dans cette guerre, dans cette enquête, dans cette boue, au centre d’un monde militaire qu’on découvre fermé, qui a ses codes et qui n’aime pas qu’on vienne y fourrer son nez. Jusqu’à la fin, on est tenu en haleine car il y a autant de suspects potentiels qu’il y a de personnages. Ceux-ci sont très intéressants car très riches, avec des failles, des zones d’ombre, un passé mouvementé, une enfance douloureuse en commençant par les deux héros, Frewin et Ann. On suppose, on s’interroge mais jusqu’au bout, on ne peut deviner qui est le tueur.
Il y a un autre aspect très intéressant lié au contexte de guerre. D’habitude, dans les romans de Maxime Chattam et des autres d’ailleurs, les personnages qui enquêtent, ont accès à des informations, aux livres, aux archives, au Web, à des experts, des spécialistes. Ici, ils ne peuvent se fier qu’à leurs connaissances, leurs déductions pour construire leur raisonnement et le profil du tueur. J’ai trouvé cela très original et renforçant les personnages du groupe de la police militaire.
Prédateurs est un roman sombre, parfois gore, où le talent d’écriture de Maxime Chattam se révèle une fois de plus, dans l’imagination des crimes, dans la force de ses descriptions ; où l’on rencontre des personnages que l’on oubliera pas une fois le livre refermé.

La promesse des ténèbres ouvre la porte des Enfers, d’un monde glauque, sombre, où la perversité règne. Je peux dire sans aucun doute que c’est le plus noir, le plus affreux des livres de Maxime Chattam (encore que je viens de commencer Prédateurs et que c’est pas mal non plus !). On plonge littéralement dans les abîmes de la ville, New York, où la verticalité des buildings se heurte à la profondeur des souterrains dans lesquels se sont réfugiés tous les exclus de notre société. On s’enfonce toujours plus loin pour parcourir le microcosme sinistre de l’industrie pornographique underground.

Ce récit alterne l’enquête de Brady qui espère à la fois comprendre Rubis et sauver son couple qui s’englue dans la monotonie quotidienne ; et aussi l’investigation officielle d’Annabel et son coéquipier, Jack Thayer, qui ont récupéré l’affaire et ne partagent pas totalement la thèse du suicide…
J’ai bien aimé ce parallèle, Brady qui ne veut pas avouer à sa femme qu’il était sur les lieux mais avide de glaner des informations, l’alternance des points de vue et le fait que les indices trouvés par les uns ne sont pas toujours trouvés par les autres. On suit Brady comme une ombre et l’angoisse augmente, toujours plus. J’ai apprécié connaître Brady, découvrir un autre aspect de son couple, une autre facette d’Annabel, retrouver Jack Thayer pour un petit moment. Le personnage de Kermit est très impressionnant, surprenant. Quant à la Tribu, ils sont tout simplement écœurants, affreux, se livrant à l’indicible, à l’impensable.
On entrevoit un côté de New York que l’on imagine pas, une vie souterraine obscure très bien décrite. Le roman est superbement maîtrisé, faisant croître le suspense, jusqu’au bout, jusqu’à la fin, stupéfiante. Il y a des passages très trash, assez violents, pas forcément physiquement d’ailleurs.

Un thriller parfait, oppressant, stressant, où le personnage principal va aller au bout de ce qu’il peut supporter, au bout de ses limites.
Totalement captivant, un livre qu’on ne peut absolument pas lâcher avant la dernière page. Que se passe-t-il lorsqu’on écoute la promesse des ténèbres…?